Top 100 Films de la Década #81-90

Continuamos...

90) Isle of Dogs (2018)

Wes Anderson hace años viene demostrando que tiene su propio estilo como creador audiovisual, con un cine peculiar, amante de los encuadres perfectos y simétricos, de tonos pasteles y elencos multitudinarios cada uno con participaciones más excéntricas y particulares que el anterior en aparecer en pantalla, todo eso con una precisión en mezclar historias de extremada originalidad, bizarro desarrollo y una noción de como crear drama de las situaciones más extraordinarias posibles. Las reglas de como construir una narrativa parecen no aplicar en su mente, y ya es sabido para muchos que ante un nuevo film de Wes, solo nos queda abrir nuestras mentes y corazones, y disfrutar al máximo lo que nuestras capacidades nos permitan.

Una vez más, y tras una seguidilla de muy buenos films y una ya exitosa aventura en el cine animado, Anderson lanzó toda la carne a la parrilla con una historia situada en un Tokyo "distópico" en que la real pesadilla es estar separado "del mejor amigo del hombre", producto de un maquiavélico plan del regente de gobierno. Una trama política tan entretenida como curiosa se entremezcla con un relato mucho más personal de un niño que hará todo lo posible por rescatar a su perro, que al igual que todos los otros seres de la misma especie ya han sido relegados al exilio, en una isla donde solo pueden esperar sobrevivir a la fuerza y alejados de sus dueños.

La historia en sí y como está contada se acompaña de una avalancha de detalles de diseño de mundo, de pistas visuales, de una banda sonora magnífica, ecléctica y rimbombante, y de una paleta de colores y presentación escénica que a mi gusto pudo perfectamente nominarse a mejor fotografía del año, creando un universo rico tal cual solo pocos artistas siquiera han intentado exponer en la pantalla grande, algo que para Wes es simplemente la base de sus más grandes films (a mencionar, The Royal Tenenbaum, Moonrise Kingdom o Aquatic Life, y su ejemplo más portentoso con The Grand Budapest Hotel).

Lo que más agradezco es que en el fondo de tanto prodigio audiovisual hay una historia preciosa de amistad, perseverancia, respeto mutuo y honor (no podía ser diferente en un film ambientado en Japón), en que humanos y la raza perruna una vez más son más que la suma de sus partes.

Es un triunfo por donde se le mire, y conforme lo recuerdo más ganas me dan de volverla a ver (tanto así que justo hoy me compré el Bluray para agregarlo a mi biblioteca personal).

89) Son of Saul (Saul fia, 2015, Hungría)

¿Cómo reinventar un género del que ya ni siquiera se hacen films? ¿Cómo construir un film del que tienes pasión por poder contar, pero ni siguieres sabes como dirigir uno? ¿Cómo lograrlo cuando las grandes casas de producción europea te cierran las puertas?

Todo eso y más tuvo que resolver Lazlo Nemes, entre el 2010 y 2015 para lanzar su debut, uno sin temor ni reservas, donde te posiciona en primera fila de un campo de concentración acompañando en primera persona al protagonista con una cámara que le sigue durante todo el film siempre mirándolo de frente, haciéndote sentir intrusivo y por ratos, hasta participativo de los actos en que debe incurrir. Y en solo 5 minutos, ya te hace sentir incómodo, al revelarte que su función en dicho contexto es formar parte de la "Sonderkommando", una unidad de trabajo creada por los Nazi durante la WWII formada por prisioneros de guerra, en que en éste caso, un judío-húngaro debe encargarse de limpiar los cadáveres de sus compatriotas recién exterminados en cámaras de gas, obtener todas sus posesiones y limpiar la cámara para su posterior uso, o sea, una auténtica y jodida pesadilla que ni siquiera el más prolífico director de terror podría haber inventado. Claro, la realidad se encarga de demostrar que a veces el cine o el arte se quedan cortos en brutalidad. Saul, nuestro protagonista cree ver a alguien parecido a su hijo dentro de las víctimas de este tipo de crímenes y hará lo posible por intentar darle un entierro judío, una última muestra de dignidad humana.

Creo que queda más que claro que estamos ante un film sin tapujos, sin temor a enfrentar la más dura realidad y que hace maravillas en ponernos de la forma más directa posible en ese campo contextual. Es un viaje que revela una vez más lo peor y lo mejor de la raza humana, con una actuación soberbia de su actor principal (húngaro también, que no actuaba desde 1980), con un ritmo que por ratos intoxica y que se siente como una verdadera experiencia cinemática original, como algo nunca antes visto o hecho en este arte. Todo eso de parte de un debutante, que solo en su propio país, uno sin gran historia de cine, logró obtener el apoyo suficiente para lanzar esta obra, que a posterior fue alabada por críticos de cine, los premios Oscar y el mismo Spelbierg (probablemente quien más peso tiene para hablar del cine del holocausto).

Poco conocido, pero necesario de ver e inolvidable tras apreciarlo, Son of Saul es cine en su máxima expresión. Un verdadero viaje al pasado, a un momento de la historia, y un recuerdo de que no debemos caer en algo así nuevamente, contado a pulso de una historia muy personal pero al mismo tiempo muy universal: un padre y su posible hijo, y el derecho de por lo menos, morir dignamente.

88) Calvary (2014):

Del director de The Guard, este film con tinte de comedia negra, drama y un misterio estilo Hitchcock, fue una de las más gratas sorpresas de un año que de por sí ya había sido tremendo. Brendan Glesson, en uno de los mejores roles de su carrera, interpreta a un reverendo de un pequeño poblado irlandés, que en los primeros minutos del film recibe una confesión en su capilla: un no visible joven declara al otro lado del confesionario haber sido violado durante años por un cura de otro sitio y ha decidido cobrar venganza, pero para causar más impacto ha elegido hacerlo no en contra de un cura violador, sino que de uno bondadoso o correcto. "Lo voy a matar padre, pero le daré una semana para poner en regla sus asuntos" es tal cual lo reconoce nuestro protagonista, con tintes de romper la 4ta barrera, "una sorpresiva frase inicial". Y ahí comienza la crisis de fe, el análisis del pecado, la Iglesia y su rol real en la actualidad y por sobre todo el poder del perdón, en un film que mezcla exquisito humor negro, un desarrollo orgánico y multifacético en sus análisis y un misterio del que Hitchcock estaría orgulloso. Solo lo he visto una vez, y siento que han pasado siglos de ese día, pero cuando un film es tan bueno es difícil refutar y negarle un puesto acorde a su categoría (#11 en 2014).

Les dejo a uds el dilucidar el misterio, dejarse capturar por su filosófico guión y maravillarse por un Gleeson magistral que con duda, temor, fortaleza espiritual y bondad enfrenta la condena de pena de muerte más inusitada que recuerde en el cine reciente.

87) The Favourite (2018):

"Did you just look at me? Did you? Look at me! LOOK AT ME! HOW DARE YOU! CLOSE YOUR EYES!"

Un film de época, pero al estilo Lanthimos. Estamos en el siglo XVIII y Ana de Gran Bretaña (Olivia Colman), de descendencia de los Estuardo, pese a su sufrida y patológica vida, se sienta en el trono de Inglaterra en pleno conflicto con Francia. Su idea de gobernar incluye carreras de patos, cuidar a sus 17 conejos y vivir una relación furtiva con su consejera personal, Sarah de Marlborough (Rachel Weisz), quien realmente ejerce el rol de regente en la práctica. La enajenación por la realidad política y social de su pueblo es evidente en cada escena, y pese a ser la reina soberana, su poder está en disputa por al menos 2 otros sujetos que intentan direccionarla en sus decisiones. Es en este contexto que ingresa al cuadro, la prima "pobre y desfavorecida" de Sarah, Abigail (una inmejorable Emma Stone, en el mejor rol de su carrera) quien viene buscando una oportunidad laboral... cierto?. Lo maravilloso de este film es ... todo. Fin del review.

Hablando en serio, hay un innumerable lista de elementos de primera calidad, desde la cuidada escenografía, vestuario y maquillaje, la exquisita selección de piezas de música clásica y el aporte de piezas originales que vienen a aportar el lado "griego" de estilo fílmico, tres de las mejores actuaciones del año, en una competencia de poder, con juegos de control de extrema entretención y dureza, casi como un duelo de ajedrez en que no es posible saber quien sacrificará más piezas en la siguiente jugada, con tal de acercarse a la pieza principal del tablero, que en este caso es "La Reina". Todo esto acompañado de una fotografía alucinante, basada solo en luz natural y en que el excéntrico uso de "ojos de pez o buey" le da un sello actualizado y único a una época que ha sido retratada hasta el cansancio y que Lanthimos se rehusa a dejar pasar sin dejar su huella en ella. El film es extasiante para todo amante del arte, con un guión cuidadoso, inteligente, original, asertivo y por ratos de deliciosa comedia negra, memorable en todo sentido, que acompaña hasta el bizarro y se podría decir que perfecto final, un amalgama de emociones y roles de poder superpuestos en una única y magnífica escena. No está demás decir que Olivia Colman ES la mejor actuación femenina del 2018 y fue la más grata sorpresa de una penosa entrega de premios de Oscar. Probablemente el mejor momento, acierto y discurso de esa noche. Ella es una montaña de rusas de emociones, locuras, frenesí, deseos y temores, y verla ser parte del juego de poder sin que ella misma aparentemente lo sepa es un absoluto placer. The Favourite tiene mucho para ofrecer y obliga a revisión, como otras grandes obras de la década y es de los grandes films que entregó el vapuleado y subvalorado 2018, que como verán tiene gran participación en mi lista (y aún quedan más de 5 candidatas de dicho año en lucha por el #1). Mi única crítica es que el ritmo del film no es tan apasionante o capturante como deja entrever mi review, pero esto lo digo solo tras haberla visto una vez, que siempre es una ocasión de ajuste personal a la obra que se te presenta delante. Por ahora, se queda por poco fuera de los top 80.

86) What We Do In the Shadows (2014)

¿Qué pasaría si una sociedad secreta de vampiros nos diera acceso a su mundo, sin comernos vivos en el intertanto? Este documental falso y comedia negra nos muestra la respuesta al exponer la vida de 3 vampiros de siglos de edad, y la llegada de un "aprendiz" que hace solo 2 años forma parte de este grupo social, todo esto sacado de la brillante mente de Taika Waititi y Jemaine Clement (basado en un corto de hace varios años atrás), ambos creadores de comedia en su país de origen: Nueva Zelanda. Ambos coprotagonizan además, y a considerar que Waititi acá recién dirigía el 3er film de su carrera, el que le daría conocimiento a nivel mundial y le permitiría años después regalarnos uno de los mejores films de la saga Marvel (Thor Ragnarok, de los pocos con personalidad propia) y la preciosa Jojo Rabbit de éste año que recién se nos fue. Solo diré un par de cosas: Vampiros, en edad juvenil-adultez inicial, inmaduros, cada uno muy distinto al otro, uno conciliador y bonachón, otro pervertido y sanguinario y otro flojo y aprovechador, compartiendo un apartamento y teniendo aventuras, peleas, risotadas, chascarros, situaciones ridículas y extremas y aprendiendo un poco (no tanto tampoco) uno del otro. Solo imagínense algo así, y ahora ponganle play a su PC y déjense sorprender por lo muchísimo que se puede lograr cuando tienes una idea original y la llevas al extremo máximo de provecho. Porque además acá se dan el lujo de crear los efectos necesarios para hacer de esta fantasía de terror una realidad creíble, que hasta parece sacada de un show televisivo de investigación, de esos que se exhiben en horario estelar un día domingo. Las escenas de peleas, burlescas discusiones, intentos de ir a una discoteque o de conseguir sangre para alimentarse cada uno son tan extraños y grotescos como podrían imaginárselos, y milagrosamente nunca deja de generar risotadas al por mayor. Sin ir más lejos, soy de la opinión que es de las mejores 5 comedias de toda la década (comedia pura debe ser top 3 fácil), y si no llegan a "vomitar sangre" de tanta risa (como uno de sus protagonistas en un momento absolutamente inolvidable) pues exijan la devolución de sus impuestos, que al menos deberían pagar por una buena comedia cada 10 años, no?. Es una comedia de no creerse, que nunca deja de sorprender y de los puntos altos en dicho año. Aún no conozco alguien a quien se la haya recomendado y haya retornado decepcionado a mi. Sin más que decir, solo véanla.

85) Inside Out (2015)

Inside Out nos muestra la compleja maquinaria que hay detrás de nuestras emociones, la relevancia de nuestra infancia y nuestros más íntimos recuerdos, la necesidad de aceptar las distintas sensaciones que la experiencia de vivir nos brinda y lo más increíble de todo, es que logra todo esto con sutileza, inteligencia, originalidad, belleza y una historia con la que todos podemos identificarnos. En la tristemente casi inexistente tradición fílmica de mostrarnos lo difícil que es la infancia o la adolescencia, solo recuerdo haber visto una película que abordara esta temática. Where The Wild Things Are, estrenada el 2009, me hizo añicos tanto emocional como intelectualmente, al mostrar que vivir, incluso a temprana edad, no es sencillo, y que incluso pese a no tener grandes responsabilidades, los cambios, los conflictos con nuestros pares o ese oculto temor que nos cuesta reconocer pueden convertirse en grandes obstáculos en nuestro diario vivir. Es así que se nos presenta a Riley, una alegre niña, que tras ciertos cambios en su vida se verá enfrentada a ciertas emociones poco predominantes previamente. Con esta sencilla premisa, se nos introduce el interior de su mente, en el núcleo de su ser, y conocemos a quienes tantas veces nos han acompañado en la aventura que es vivir. Alegría, pena, temor, desinterés y rabia, forman parte del abanico de personajes que se nos revelan en una especie de sub-universo tan bien trabajado como original, y tan maravilloso como interesante, más aun considerando que es sencillo reconocer los elementos de esa mente, como la nuestra propia. El film avanza como una aventura, en donde la meta final es probablemente más relevante que otras aventuras como la típica película deportiva o de competencia de campamento de verano. Aquí está en juego nuestra personalidad, nuestra identidad y de forma indirecta, nuestro futuro. Lo increíble de una historia tan original como ésta, es que se nos muestra una realidad tan presente y fidedigna como la que vivimos a diario, pero se le da una explicación colorida y sorpresivamente educativa. De pronto, ciertas emociones cobran una relevancia y validez que ni en las mejores clases de sicología del colegio se mencionaron. Para los que ya la vieron saben a que me refiero, pero el giro que adopta el film hacia su cierre es tan brillante como sorpresivo y original. Y esa escena de una familia abrazada y la potencia de una nueva memoria significativa son un momento tan cautivante como memorable en la filmografía del cine de animación o del cine de drama en general. Si bien la comedia no es su principal fortaleza, y las emociones como personajes secundarios están “solo” muy bien caracterizados, es su maravilloso guion, con la familia protagonista, la que brilla con potencia. Es en el relato biográfico de este grupo de personas donde nos encontramos observando un espejo y mirándonos con detención y asombro. Somos nosotros mismos, y en nuestras incertidumbres, triunfos, temores, rabias y alegrías siempre podremos ver que en realidad, somos todos tan humanos y similares en nuestras experiencias vitales como el vecino de al lado o el pequeño de 5 años, hijo de la vecina de nuestro departamento. Las emociones, inherentes como son a nuestra existencia, no pueden ser extrapoladas y evaluadas por si solas sin verlas tras el prisma de una vida vivida y tras ver un film que expone, evalúa y desarrollo un mundo en pos de eso, es imposible no elogiar a las mentes creativas detrás de dicho logro. Inside Out, es el film más profundo, creativo y maduro del excelente catálogo de Pixar. Está llena de magia pura, de mensajes para un público de todas las edades, y hacia el final de la película entenderás cuando te digo que se siente como un clásico instantáneo, tal cual lo es “It’s a Wonderful Life” o “Up”. Es un film necesario para que lo vea todo joven o adulto que alguna vez quiere ser padre, o todo niño en proceso de comprender que es eso que está sintiendo y no logra entender. La vida, compleja como es, es un poco más sencilla cuando descubres que no tiene porque ser como te la pintan las pelis infantiles, sino que en la suma de sus múltiples vivencias, está el crecimiento, la madurez, la identidad propia y la real plenitud.

*84) When Marnie Was There (2015) //Agregado recientemente//

Anna, una chica de difícil infancia, introvertida y asmática es enviada al campo por su madre para ayudarla a mejorar de sus crisis y de su progresiva apatía por la vida.

"When Marnie Was There" es un film animado de Ghibli (de Hiromasa Yonebayashi, director de "Arietty y el mundo de los diminutos"), nuevamente basado en una novela, y un relato de aceptación, de identidad, de descubrir quien eres y sanar tu alma en el proceso. Para ser un film animado, toca temáticas durísimas como la depresión o el odiarse a si mismo, y el sentir que nada llena tu vida hasta que encuentres esa pieza que te falta. En esa búsqueda, el establecer una amistad con Marnie, una chica que habita una mansión en las orillas del lago del pueblo, le hará ver la vida con otros ojos. El film es de inmensa quietud en la mayoría de su relato, con la belleza campestre esperable de una cinta del estudio japonés, con una banda sonora preciosa y una historia muy humana, emotiva y madura considerando que las protagonistas son chicas adolescentes, con una mezcla de realismo mágico, fantasía o quizás que otras cosas que les dejo a uds descubrir. Para cuando la cinta está alcanzando su climax, es casi imposible contener las lágrimas con su brillante cierre de misterios, que le otorga capas de interpretación y significancia a la historia que estuviste viendo por la poco más de 1 hora previa. De pronto ese extraño relato que parecía imposible o una fantasía cobra avalanchas de importancia y el aprendizaje se revela.

Esta es una cinta mayúscula, pese a ser tan poco conocida. Es el tipo de películas con las que puedes sentar a alguien desde los 12 años, y luego tener una larga conversación sobre la vida, los temores, miedos y deseos personales de los involucrados. Es cine de gran belleza visual, pero por sobre todo con un contenido que se queda con uno.

Perdió contra Inside Out en los Oscars, y la verdad ambos son gigantes animados. Lo mínimo que le debemos es darnos la chance de verla

84) Take Shelter (2011)

Jeff Nichols con una reciente carrera ya ha demostrado que es de los directores a seguir en la rama indie del cine actual con films como Mud, Loving y Shotgun Stories, pero el punto más alto que ha logrado lo obtuvo con su 2do film, un thriller sicológico sobre un hombre que comienza a tener visiones de un fin del mundo y que inicialmente decide ocultarlas por temor a ser mal visto, pero aún así comienza a prepararse para ese posible suceso. Take Shelter es un film pausado, que deja respirar la sicología de vivir dentro de la mente de su protagonista y posee tintes de drama familiar, personal, ¿psiquiátrico?, apocalíptico y un nivel de tensión como pocas veces he visto, todo gracias a una espectacular actuación por parte de Michael Shannon (tremendo actor, que probablemente da su mejor ejemplo actoral en esta ocasión), una banda sonora misteriosa, críptica y perfecta para la situación y una fotografía que favorece la sensación de duda, incertidumbre por un futuro poco claro o peor aún, por un presente que tampoco parece tener certezas, en donde se verán involucrados y puestos en riesgo (o a salvo?) no solo su propia persona, sino que también su esposa (otro buen papel de Jessica Chastain) y su hija.

Take Shelter es una mirada al interior de una mente trastornada o visionaria, una duda que solo uno mismo como espectador debe resolver. Es un drama poderoso, con una historia intrigante, que no se detiene ningún segundo hasta su increíble final, que debe tener de los mejores climax de la década, en un par de segundos que resumen todo el miedo y horror que implica ver una posiblemente terrible verdad revelada.

83) Upstream Color (2013):

"As if It Would Have a Universal and Memorable Ending"

Retomando la lista me toca escribir unas palabras de un film que atenta contra cualquier posible descripción. De la mente del director del clásico indie "Primer" (ese viaje en espacio y tiempo que solo podría haber escrito un matemático universitario y que aunque me lo re-juren es sabido que es imposible entender en una primera vuelta), se nos presenta una historia de una mujer y un hombre que sufren de amnesia, y que han involuntariamente entregado su dinero, trabajos y garantías económicas a un desconocido. Juntos intentarán descubrir quien y porqué les hizo eso. El film, catalogable como un thriller dramático romántico de ciencia ficción (si entienden el punto de no clasificable) incluye cerdos, larvas, un sonidista, granjas, muchos vasos de agua, origamis, memorias, sensaciones hechas imágenes, una banda sonora gloriosa que solo suma a la experiencia casi extra-sensorial que el film aporta con su fotografía, edición de sonido y uso de flashbacks para intentar ponernos en la mente de sus protagonistas (lográndolo) y dos actuaciones protagónicas que además nos muestran el peso y dificultad de una relación en sus varias fases, con una analogía interesante a lo ocurrido en otras especies.

Decir que el film es un rompecabezas como Primer es recién introducir su concepto macro, pero sí, nuevamente este es un rompecabezas de esos, que en una sola visión obligan a largas conversaciones posteriores con más personas o a repetirse el film lo más pronto posible. Pese a que solo la vi en una ocasión, las sensaciones de sorpresa, maravilla o asombro aún me acompañan. Recuerdo su escena final y como genialmente se reservó el núcleo emocional del film para su climax y solo puedo admirar al genio que es Shane Carruth quien escribió, produjo, dirigió, actuó y compuso la OST de éste, su 2do film. Simplemente una joya oculta de esas. Cine como les prometo no han visto antes (ni volverán a ver), Upstream Color es un ejemplo rotundo de cuando la originalidad y la genialidad se unen.

82) The Fault in Our Stars (2014):

“Oh, I wouldn't mind, Hazel Grace. It would be a privilege to have my heart broken by you.”

Una historia de amor contada a través de la mirada de dos adolescentes con cáncer es siempre una situación compleja de retratar, con riesgos de caer en facilismos o chantajes emocionales, y bueno, como habitualmente ocurre, la matriarca de todas las obras de este "sub-genero" de novelas Young Adult es el ejemplo más contundente y redondo entre todos los que la intentarían continuar. Hazel es una adolescente en que toda la vida que ella recuerde ha girado en torno a su cáncer terminal que gracias a terapias de última línea y experimentales ha logrado mantenerse con vida, pero su mirada de la vida es comprensiblemente si bien no pesimista, en exceso concreta y pragmática. Augustus es un sobreviviente al cáncer, que lo dejó con una pierna protésica pero que no le quitó su deseo de triunfalismo perpetuo, y ese espíritu de sentir que el mundo aún le pertenece y que ve en su futuro nada menos que uno alucinante o legendario.

De seguro el film (y la novela) se toman algunas atribuciones para dar inicio a su historia de amor (elemento que sigo sin del todo aceptar), pero una vez se dan a conocer el uno al otro en una abrupta pero entretenida introducción, éste toma rienda firme de una historia que emite ternura, comprensión, dulzura y respeto mutuo a borbotones, al que este corazón que se cree artista y seudocritico en su visión del mundo, no pudo resistir pese a su simpleza. El diablo está en los detalles, dicen. Y es así. La construcción de la historia se siente orgánica, honesta a los deseos de una chica que en su visión y vida no tiene mucho a lo que aspirar, tanto así que se refugia en su novela favorita y en su sueño de comprender a su escritor. Es en las miradas, jugarretas y sentido del humor que un Ángel Elgort en su mejor rol, te convence de sus emociones. Es en su fragilidad ocasional, en esa espera por un mensaje de celular, en esa mirada orgullosa pero que luego se disuelve en una risa nerviosa, en su certeza y firmeza para proteger a todos los que la rodean, en su ternura por permitirse soñar con los ojos abiertos, su madurez para comprender que hay cosas que se escapan de su realidad, y su fortaleza para intentar dar un paso extra en pos de sus deseos que Shailene Woodley da el que a mi gusto fue de las mejores interpretaciones de dicho año. En sus momentos de más quebranto y exposición emocional es difícil no sentir en vivo y en directo como se va rompiendo su corazón, y asimismo es difícil no acompañarla en su angustia y frustración por una vida que realmente no nos prometió nada. Laura Dern como su madre se luce y logra transmitir en sus escasos pero significativos momentos el dolor y la entereza que requiere ser madre de alguien que sabes, tiene sus días contados. Ver como la vida que criaste con tanto amor y dedicación se te va escapando de las manos debe ser una de las situaciones más imposibles de soportar, y Dern da la nota con cada mínimo gesto corporal dándole un peso emocional extra a un film que de por si ya es potente en ese aspecto. Ambas mujeres dan sus mejores actuaciones que les recuerde. De hecho, las incluí en mi top 5 de mejor actriz y actriz secundario de ese año. Yo las hubiese nominado a ambas a ojos cerrados.

Tenemos emociones, pero hay profundidad o algo digno de contarse fuera de una historia de amor trágico? Y aquí es donde el film para mi se convierte en un favorito personal y compartible en este grupo: Es su guión. Uno superior al que uno espera en un romance juvenil (solo The Spectacular Now y The Perks of Being a Wallflower la superan en ese apartado), que sabe dejar su huella y su sentido más allá de las emociones del momento. Abordando la relevancia de una vida vivida, el olvido que puede generar una partida sin fanfarria, ese deseo básico humano de lograr un legado o más sencillamente "de importar", y de como puedes encontrar eternidades metafóricas al compartir tu vida con otros en medio de una vida que claramente será efímera. Duele aceptar que todo se acaba. Y es una revelación el aceptarlo y decidir aun así sonreír y gozar con la porción de cielo, "espumante", risas y alegrías que esta vida te otorgará. El dolor demanda sentirse, y no hay vuelta que darle. Sintamos con intensidad entonces. Este es el mejor ejemplo de cómo crear romances juveniles, de como embarcar a su audiencia en un romance creíble, puro, dulce y tierno, como el que muchos conocimos cuando éramos adolescentes, soñadores, llenos de esperanzas, pero con el detalle que acá la vida muestra toda su complejidad, dureza y porque no decirlo, injusticia. Finalmente es un film del que se puede conversar después, y analizar, algo que en su momento fue revelatorio considerando su apabullado género de origen. PD: y además tiene a William Dafoe en un rol difícil de llevar a cabo, que nunca sale de personaje pese a esto. PD2: Hoy me repetí el film y se sostiene en una 3.ª vista. Quizás no con la misma potencia de la primera vez, pero la ternura de ese primer amor siguen siendo palpables y quedándose con uno, las actuaciones me siguen sorprendiendo y su concepto sigue obligandome a la reflexión sobre la inminente mortalidad y las posibilidades de esta vida. Probablemente el film más mamón de mi lista, y uno que apaño, digan lo que digan.

81) The Two Popes (2019)

La sorprendente e inusual relación de amistad entre Benedicto XVI y el futuro papa Francisco, es una mirada con lupa macroscópica al mundo del siglo XX, que con excelsa facilidad se mueve entre las épocas, en base a las emociones construidas en cada escena, y es su música, su fotografía, su guión, dirección y actuaciones funcionando en completa armonía las que convierten a su todo en algo especial.

Todo funciona, desde la creación de diálogos, la construcción de los flashbacks, las tremendas actuaciones de Hopkins y sobre todo de Pryce (como el papa argentino), llena de humanidad y emoción, su trasfondo logrado con arte y fluidez, y su recreación audiovisual con una cámara siempre acompañando de cerca a los protagonistas, como haciéndonos parte de sus conversaciones banales y de otras tantas de confesiones y verdades. Por sobre todo es un film sobre diferencias y puntos de encuentro, sobre el respeto y apreciación mutua de dos mundos opuestos y como una amistad cambió la historia de la humanidad, si recordamos que finalmente la Iglesia Catolica sigue siendo de las más relevantes a nivel mundial (al menos en seguidores). Hermosa, emotiva, íntima, entretenida, humana y gloriosamente bien actuada. Es de esos films que te hacen reír, pensar, reflexionar, empatizar, crecer incluso, llorar y finalmente te llenan el corazón. Un triunfo de principio a fin, y mi guión favorito del año (junto a Parasite). Es un 10/10 a mi gusto. Terminé completamente enamorado de esta película.Si no fuera por Phoenix, le doy el Oscar a Pryce hoy mismo.

CONTINUARÁ...